Самый богатый и сложный жанр музыки -опера. Слово «орега» в переводе с итальянского буквально означает труд, сочинение. В этом музыкальном жанре слиты в единое целое поэзия и драматическое искусство, вокальная и инструментальная музыка, мимика, танцы, живопись, декорации и костюмы.

Творчество народного артиста Республики Казахстан, одного из первых преподавателей кафедры народных инструментов Алма-Атинской государственной консерватории им. Курмангазы, домбриста-кюйши Кали Жантлеуова.

Что такое "оркестр"? Откуда пришло к нам это слово? Что такое "симфония", и почему оркестр называют симфоническим? Сколько музыкантов в оркестре и какие инструменты оркестра ты знаешь?

Родина оперы- Италия. Именно здесь зародилось искусство "прекрасного пения"- "bel canto". И поэтому "колыбелью" оперного искусства по праву в мире считается миланский оперный театр "La Scala"...

Манарбек Ержанов родился в местности Карабулак Карагандинской области. Каркаралы - эта уникальная местность – дала казахской культуре такие имена как Амре и Жусупбек, Естай, Кали и Косымжан и, конечно же, Манарбек.Родители Манарбека были от природы одарены талантами: отец – народный умелец, кузнец и ювелир, был замечательным кюйши-инструменталистом, мать хорошо пела.Непререкаемым художественным авторитетом для будущего знаменитого певца аркинской традиции стал Амре Кашаубаев - «легенда» отечественной культуры. Манарбек уже в молодости овладел всем богатством певческой традиции Сары-Арки, великолепно исполнял песни Биржан-сала, Ахана-серэ, Жарылгапберди, Естая, Жаяу Мусы и Шашубая. Удивительная тембровая окраска, «прозрачность» голоса Манарбека придают особое очарование вариантам известных песен в исполнении певца.Манарбек Ержанов был одним из первых актеров Казахского драматического (1928 г.) и Казахского музыкального (1934 г.) - будущего оперного театра (1937 г.). Он вошел в первый, «звездный» актерский состав оперного вместе с Куляш и Канабеком Байсеитовыми, Курманбеком Джандарбековым, Амре Кашаубаевым, Исой Байзаковым, Елюбаем Умурзаковым, Сергали Абжановым, Урией Турдыкуловой, Гарифуллой Курмангалиевым.

Особое место в творчестве Манарбека занимает сочинение собственных произведений. Не случайно именно он стал одним из первых членов Союза композиторов КазССР (1942). Будучи исполнителем «аркинских» песен, Манарбек в собственном композиторском творчестве продолжает и развивает народные традиции. В то же время, на творениях Манарбека печать современной эпохи - они богаты новыми ритмами и новыми для казахской музыки приемами развития. Таковы песни «Паровоз», «Куанамын», «Жасасын», «Шопан эни» и др. Эти песни до сих пор пользуются неизменной популярностью и любовью публики. Интересны и кюи – инструментальные произведения Манарбека Ержанова – Би кюй, Шалкар коль, Орнек, Конил кюй. Сочиненные в традиции шертпе, они, тем не менее, индивидуальны и ярки по стилю. Особенно характерен оригинальный ритм, придающий неповторимость звуковой палитре.

Последние годы жизни Манарбек занимается в основном концертной и композиторской деятельностью (1953-1960). Он много выступает, выезжая с гастролями по республике. Этот период наиболее продуктивен для Манарбека в творческом плане. Самые известные его произведения – песни и кюи в народно-профессиональных традициях, песни нового времени - сочинены именно в эти годы.

Вклад Манарбека Ержанова в казахскую советскую музыкальную культуру был высоко оценен государством. Ему было присвоено почетное звание Народного артиста Каз.ССР, он был награжден орденами Красной звезды и «Знак Почета», правительственными грамотами. И все же главная награда – народная любовь и неизбывная память, бесконечная благодарность и поклонение большому таланту замечательного певца и творца Манарбека Ержанова.

Какой музыкальный инструмент называют "Королевой оркестра"? Почему струнно-смычковая группа в оркестре-самая важная?

http://www.muz-urok.ru/arfa.htm

Американцы называют его "Мэт". Зрительный зал рассчитан на 3625 мест. В 1907 году на этой сцене пел Ф.Шаляпин...

Деревянные духовые инструменты: флейта, гобой, кларнет, фагот. Основным материалом, из которого изготавливают эти инструменты, издавна служило дерево - отсюда и название группы. Некоторые из этих инструментов уже давно делаются из других материалов (пластмассы, стекла, металла), но за ними прочно сохраняется установившиеся наименование деревянных. В оркестре их бывает по 2 инструмента.
Флейта – один из самых древних духовых инструментов. Археологи находят изображения флейтистов на фресках Древнего Египта и Греции. «Предки» флейты – различного рода тростниковые дудки, свирели. Раньше флейта была продольной, и держали ее в вертикальном положении, это была деревянная трубка с отверстиями. Затем появилась поперечная флейта, которую музыкант держал горизонтально. Теперь флейта соперничает со скрипкой. Правда, звуки флейты легкие и светлые, не обладают мягкостью и теплотой, и всегда остаются прозрачно-холодноватыми, как льдинки.
Гобой - происходит от древней пастушьей свирели и старинного народного инструмента зурны, который и в наше время звучит на Кавказе. И в странах Азии. Звук гобоя напоминает звучание народного инструмента жалейки, распространенного в России и Белоруссии. Устройство гобоя не сложно, это небольшая трубка, расширяющаяся к концу. Гобой снабжен системой боковых клапанов, с помощью которых регулируют высоту звука. Воздух вдувается в трубку через язычок, расположенный на верхнем узком конце инструмента. Очень хорошо передает гобой мечтательное, задумчивое настроение, помогает «рисовать» картины сельской природы.
Кларнет - в переводе с латинского означает «ясный». Самый певучий и виртуозный деревянный духовой инструмент, который происходит от пастушьей свирели.
Фагот - низкий по звучанию деревянный духовой инструмент, изобретенный в XVI веке. Представляет собой длинную трубку (2,5м), сложенную в несколько раз. Итальянский « фаготто» значит «связка», «узел». Фагот может звучать напевно и приглушенно, ворчливо и насмешливо.

Жусупбек Елебеков прожил долгую творческую жизнь и своей многогранной и талантливой деятельностью внес выдающийся вклад в историю отечественной музыкальной культуры. Школа традиционного народного пения, неувядаемую славу которой создали Амре Кашаубаев, Кали Байжанов, Габбас Айтпаев, Манарбек Ержанов, имеет двухвековую историю и охватывает большую часть территории Казахстана. Иногда ее называют аркинской или сары-аркинской, потому что Арка или Сары-Арка – это центральные, северные и восточные области республики. Аркинская песенная и певческая традиция – самая многочисленная, авторитетная. Известна она и количеством песен, и числом авторов великолепных песен, и тем, как она представлена в композиторском творчестве Казахстана в 20 веке. Именно певец этой традиционной школы Амре Кашаубаев впервые в истории музыкальной культуры Казахстана выступал в Европе и поразил слушателей Всемирной музыкальной выставки в Париже (1925 г.) своим необыкновенно высоким, сильным и красивым голосом, своим безупречным вокальным мастерством. Ж.Елебеков получил эстафету аркинской традиции из рук легендарного Амре. По словам исследователя творчества ведущих казахских музыкантов, журналиста М. Майчекина, сам Амре завещал Жусупбеку Елебекову свою домбру со словами, что лучше Жусупбека ему не приходилось слышать певца этой традиции. Ж. Елебеков  родился в Егиндыбулакском районе Карагандинской области 28.08.1904. Актерский и музыкальный талант, голос Жусупбека были замечены, и в 1920-1922 гг. он входит в драматическую труппу «Ес-аймак» в Семипалатинске, с которой участвует в спектаклях и концертах. С 1931 по 1935 гг. Ж.Елебеков работает артистом Казахского драматического театра, где не только проявляет себя как певец, но и создает запоминающиеся образы в театральных и оперных спектаклях (Алибек в музыкальной комедии «Айман-Шолпан», Жапал в «Енлик-Кенбек», Тулеген в первой казахской опере «Кыз-Жибек»). И все же вскоре определяются творческие пристрастия Жусупбека – продолжение и развитие исконной профессиональной певческой традиции, а именно – исполнение казахских классических песен в собственном сопровождении на домбре. Потому совершенно естественен был переход Ж.Елебекова в филармонию (1935-1960 гг.), а позже в Казахконцерт (1960-1977 гг). Уже в качестве концертирующего профессионального музыканта Ж.Елебеков завоевывает безусловное признание и любовь народа.  Он пропагандирует казахское классическое искусство пения и в республике, и за ее пределами. Его могли слышать на казахских Декадах в Москве 1936 и 1958 гг., в Китае (1950 г.,1955 г.) Монголии (1960 г.), Индии (1967 г.), узнали в Киргизии, Туркмении, Узбекистане, Каракалпакстане. В этом же качестве Ж.Елебеков работает на радио, с его участием был снят телефильм. Особая и очень важная для жизни национальной певческой традиции пора – преподавание Ж.Елебековым народного пения в Эстрадно-цирковой студии (с 1967 по 1977 гг.). Репертуар Жусупбека Елебекова включал в себя все известные и яркие песни казахских народно-профессиональных авторов Сегиз-серэ, Биржан-сала, Ахана-серэ, Мади, Ибрая, Естая, Майры, Жарылгапберди. Этим песням своим исполнением он придал классически-совершенную и безупречную форму. Особое место в творчестве Ж.Елебекова занимает песенное наследие Абая. Жусупбек был не только прекрасным исполнителем шедевров абаевской лирики – «Письмо Татьяны», «Сегиз аяк», «Козимнин карасы», «Бойы булган», «Ата-анага коз куаныш», но проводником его новаторских музыкально-эстетических идей, мыслей о содержании и значении песни, музыки.

Происхождение кобыза связывают с именем легендарного Коркыта – первого музыканта и покровителя шаманов. Как гласит легенда, Коркыт в 20 лет увидел сон, в котором какие-то люди сказали ему, что он проживет 40 лет. И тогда он решил искать бессмертия. Оседлав свою верблюдицу Желмая, он отправляется в путь. Куда бы ни приезжал Коркыт, всюду встречал людей в белых одеяниях, рывших для него могилу. Тогда Коркыт возвращается в "центр земли" – к реке Сыр-Дарье. Здесь он приносит в жертву свою верблюдицу, изготавливает инструмент, верхней декой которой служит шкура Желмая, стелет на поверхность воды ковер, и, сидя на нем, играет на кобызе "песню жизни". Пока Коркыт играет, смерть не смеет к нему подступиться. Но однажды, изнуренный Коркыт на миг засыпает, и смерть в образе змеи, настигает его – Кайрак-жылан жалит Коркыта и он умирает. Легенда дошла до нас с кюем "Коркыт", воспевающим великую силу музыки, способной победить смерть. Кобыз – инструмент удивительной формы и необыкновенно выразительный по богатству тембра. Одни сравнивают его с птицей: "Звуки оного, когда по струнам из лошадиных волос смычком из оных же волос сделанных поведешь, подобен лебединому крику, как и самый инструмент вид лебедя имеет" (П.Паллас). Другие, в звуках кобыза слышали человеческий голос (Б.Сарыбаев), "печальный и плачевный" (И.Гмелин). Каждая из 2-х струн и смычок состоит из 40 длинных конских волос. Высота звука регулируется касанием кончика ногтя или подушечками пальцев струн "на весу", над корпусом инструмента (игра флажолетами). Отсюда своеобразие звучания, богатого обертонами. Трудная судьба выпала на долю этого инструмента. Кобыз можно назвать своеобразным носителем этнической истории казахов, представленной эпосом и инструментальной музыкой. Но и это не оградило его от гонений. Ведь изначально это был инструмент шаманов (баксы). Именно это обстоятельство стало удобным поводом, чтобы изгнать его из нового строящегося цивилизованного мира "как пережиток темного прошлого" и "осудить его на исчезновение" (А.Затаевич). И как следствие, в начале ХХ века для этого инструмента перестали сочинять новые кюи. Далее стали прерываться семейные традиции игры на кобызе – "от отца к сыну". Последним легендарным классиком кобызовой музыки был Ыхлас Дукенов, родившийся еще в середине 19 века. Много было попыток воссоздать забытую культуру, но лишь немногим удалось прорваться "сквозь время". Среди таких музыкантов Жаппас Каламбаев (1909-1970) и Даулет Мыктыбаев (1904-1976). Именно им мы сегодня обязаны сохранению традиции игры на инструменте и музыкального кобызового наследия. Это "с их рук" были записаны бесценные творения прошлого, они первыми шагнули на концертную эстраду, первыми стали учителями по классу кыл-кобыза, открывшегося в Алматинской консерватории в 1968 году. Жаппас Каламбаев родился в 1909 году в колхозе "Талап" Сузакского района Шымкентской области. С детства игру на инструменте он осваивал самостоятельно. Кюи Ыхласа Жаппас перенял от его ученика известного домбриста Сугура. Именно Жаппас вернул произведения классика кобызовой музыки из домбровых версий вновь кыл-кобызу. Ж.Каламбаев – участник 1-го Республиканского слета народных исполнителей (1934). Он стоял у истоков зарождения оркестра народных инструментов им.Курмангазы, являлся солистом и концертмейстером группы альт-кобызов (1934-1967). По словам А.Жубанова "все кобызисты, ныне играющие в оркестре им.Курмангазы  первоначальные уроки брали у Каламбаева". Ж.Каламбаев известен как собиратель музыкального фольклора, который записал и расшифровал уникальные образцы народной музыки.  Он в числе первых членов вошел в состав Союза композиторов Казахстана (1939).

Тембру медных несвойственна лирика, зато героика им удается как нельзя лучше. У венских классиков трубы были  фанфарным инструментом. Те же функции они часто выполняли и в музыке 19 века, возвещая начало шествий, маршей, торжественных празднеств и охоты.

Полное название — «Государственный академический Большой театр России» (ГАБТ).

История оперы

Один из старейших русских музыкальных театров, ведущий русский театр оперы и балета. Большой театр сыграл выдающуюся роль в утверждении национальных реалистических традиций оперного и балетного искусства, в формировании русской музыкально-сценической исполнительской школы. Большой театр ведёт свою историю с 1776, когда московский губернский прокурор князь П. В. Урусов получил правительственную привилегию «быть содержателем всех театральных в Москве представлений...». С 1776 спектакли ставились в доме графа Р. И. Воронцова на Знаменке. Урусов вместе с антрепренёром M. E. Медоксом построил специальное театральное здание (на углу улицы Петровки) — «Петровский театр», или «Оперный дом», где в 1780-1805 шли оперные, драматические и балетные спектакли. Это был первый в Москве постоянный театр (в 1805 сгорел). В 1812 пожар уничтожил и другое здание театра — на Арбате (архитектор К. И. Росси) и труппа выступала во временных помещениях. 6 (18) января 1825 прологом «Торжество муз» с музыкой А. Н. Верстовского и А. А. Алябьева открылся Большой театр (проект А. А. Михайлова, архитектор О. И. Бове), построенный на месте бывшего Петровского. Помещение — второе в Европе по величине после миланского театра La Scala...

Крупнейший австрийский оперный театр, центр музыкальной культуры Австрии. До 1918 года — Венская придворная опера. Здание, в котором в настоящее время располагается Венская государственная опера, было построено в 1869 году.В 1945 году здание театра было разрушено во время бомбардировки Вены. Десять лет спектакли театра шли на других сценах. Лишь новый сезон 1955/56 годов начался в восстановленном здании. Венская государственная опера, хотя и предлагает своим слушателям чрезвычайно разнообразный репертуар, по праву считается хранительницей лучших традиций венской классической школы, и в первую очередь Моцарта.

Десятки тысяч лет назад человек взял в обе руки по камню и начал стучать ими друг о друга. Так появился первый ударный инструмент. Это примитивное приспособление, которое еще не могло дать музыки, но уже могло воспроизвести ритм, сохранилось в быту у некоторых народов до наших дней: например, у аборигенов Австралии и сейчас два обыкновенных камня играют роль ударного инструмента. Ударные гораздо старше всех остальных инструментов: почти все исследователи сходятся во мнении, что инструментальная музыка началась с ритма, а потом уже возникла мелодия. Эту большую, пеструю, разнохарактерную группу объединяет общий способ извлечения звука – удар по натянутой коже, металлическим пластинкам или деревянным брускам. Их главное назначение – подчеркивать ритм, усиливать общую звучность оркестра, дополнять и украшать ее различными звуковыми эффектами. Кроме того, ударные принято делить на две большие группы.К первой относятся те ударные инструменты, которые имеют настройку. Это литавры, колокольчики, колокола, ксилофон и др. На них можно сыграть мелодию.Ко второй группе относятся инструменты, не имеющие определенной высоты звука. Это большой и малый барабаны, тарелки, треугольник, кастаньеты, маракасы, трещотки и другие. Они не имеют точной высоты звучания и поэтому не могут сыграть мелодию. Зато им доступны сложнейшие ритмические партии.

Гарифулла Курмангалиев - явление уникальное в казахской музыкальной культуре 20-го века. В течении многих десятилетий он один представлял древнюю и высокоразвитую вокально-инструментальную традицию всего Западного Казахстана. Именно Гарифулла Курмангалиев донес до нашего времени наследие Мухита - легендарного певца XIX-го века. Песни Мухита распространились далеко за пределами его родины - Уральской области. Во всех западных областях республики певца не считают профессионалом, если он не исполняет песни Мухита.  Вторым Мухитом называют Гарифуллу Курмангалиева, исполнительское искусство которого считают эталоном во всем Казахстане. Гарифулла сумел оставить неизгладимый след в казахской культуре, как выдающийся концертный исполнитель и оперный певец, автор собственных ярких сочинений - песен, стихов, поэм, как самобытный и неповторимый киноактер, как собиратель фольклора и как талантливый педагог. Гарифулла Курмангалиев был всегда одним из самых любимых народом певцов. Большая часть его концертной жизни прошла в гастрольных поездках. Всегда и везде ему сопутствовал успех, восторженный прием, не умолкающие аплодисменты. Наиболее значительные и ответственные гастроли по СССР - это Москва, Ленинград, Киев, Ташкент, Ашхабад, Фрунзе.Слышали легендарный голос Гарифуллы и в Китае, Пакистане, Иране, Германии, Италии. На оперной сцене Курмангалиев (с 1934 по 1966 гг.) спел более 20 партий. Сильный и выразительный голос, потрясающая актерская игра - все это позволило певцу создать неповторимые образы - как в национальных операх (акын Шеге в "Кыз Жибек", батыр Сакан и жырау в "Ер-Таргыне", Естай в "Биржан и Сара", муллы в "Дударай", Нарымбет в "Абай"), так и зарубежных. В казахском кино Курмангалиев продолжил ту галерею образов, которую он создал в оперных спектаклях. Но только кино с его "крупным планом" смогло по- настоящему раскрыть могучее актерское дарование, броскую игру, живую мимику, безупречное владение искусством жеста и, конечно же, его глаза, незабываемые в своей выразительности.
Курмангалиев, прошедший народную школу исполнительства, как никто другой понимал важность сохранения традиционной системы обучения. По ней он воспитывал своих учеников, многие годы работая в Республиканской студии эстрадно-циркового искусства (1967-1984 гг.).

Главная трудность, с которой сегодня сталкиваются исполнители кобызовой музыки– недостаток репертуара. На тернистом пути выживания кобыза были серьезные потери. О некоторых кюях мы знаем только по дошедшим легендам, сопутствовавшим исполнению кюев. Ведь традиция предполагала пересказ его сюжета либо перед исполнением кюя – "кюй и легенда", либо вставками в кюй – "кюй с легендой", "кюй в легенде", "кюй-легенда".  Восполнение репертуара – это также заслуга Жаппаса Каламбаева и Даулета Мыктыбаева. Они первыми стали делать переложения казахских народных песен и домбровой музыки для кобыза, значительно пополнивших репертуар исполнителей.

В основе проекта Оперного театра лежит желание привести людей из мира ежедневной рутины в мир фантазии, где обитают музыканты и актеры.
Йорн Утцон, июль 1964 года.

Два фрагмента зубчатой крыши на олимпийской эмблеме — и всему миру понятно, в каком городе будут проходить Игры. Сиднейский оперный театр — единственное здание XX века, вставшее в один ряд с такими великими архитектурными символами XIX, как Биг-Бен, Статуя Свободы и Эйфелева башня. Наряду с Айя-Софией и Тадж-Махалом это здание принадлежит к высшим культурным достижениям последнего тысячелетия.Некоторые считают Оперный театр великолепным образчиком «застывшей музыки», о которой говорил Гете. Другие видят в нем выброшенного на сушу белого кита;  девять ушей, прислушивающихся к ангельскому пению... Подобно всем истинным шедеврам, Оперный театр уникален и похож лишь на себя самого. Конечно, я говорю только о его внешнем облике. Интерьер, который редко фотографируют, родился под влиянием разнородных идей 60-х годов и напоминает самый обычный пригородный диско-клуб . В некотором смысле Оперный театр не оправдывает свое название — большую оперу здесь поставить нельзя. Малый зал, предназначенный для камерных спектаклей, почти целиком черный. Почему так произошло? Дело в том, что здание проектировал один человек, датский архитектор Йорн Утцон, а его интерьер — запутавшаяся комиссия, которую австралийский критик Филип Дрю назвал «сборищем ничтожеств».

http://www.muz-urok.ru/fortepiano.htm

В одном городе все жители без исключения были музыкантами. Колбасники и портные. Пирожники и сапожники. Учителя и школяры. Пожарные и трубочисты. Каждый обязательно играл на каком-нибудь инструменте. Кто хуже, кто лучше, зато все!
Однажды ночью, когда люди уже спали, музыкальные инструменты взбунтовались. И то сказать: не очень-то весело помалкивать с утра до вечера в душных чехлах и тесных футлярах, покуда хозяева заняты своим основным, дневным ремеслом. То ли дело попасть в консерваторию и сыграть там в симфоническом оркестре!
И вот инструменты покинули свои привычные места и двинулись к зданию консерватории...